如何在钢琴上体会放松

曲少专属シ

好的教学应该包括指导学生在钢琴上运用自然有效的动作,以避免由于紧张而引起的疼痛和伤病。尽管学生们天生的素质能力各不相同,但他们都是要通过学习寻找音乐的乐趣。  
有些学生弹奏的并不正确,他们为使每个琴键发出声音把手指抬得过于高。我教学生弹奏时运用胳膊及后背,使肩膀、肘部和手腕尽量放松,避免紧张。以下两种弹奏方法之间有很大的区别:单独用手指弹奏和通过胳膊以及后背支持双手弹奏。而后一种会使演奏中的紧张得到放松。  
因为弹奏的力量和重量来源于后背和肩膀,并且通过放松的肩膀、肘部、胳膊和手腕输送到指尖。肩膀、胳膊和手腕的各个关节必须是灵活的,才能使力量畅通地到达指尖。当胳膊的某个部位紧张时,力量就会被阻拦,使得手指在键盘上处于紧张状态,从而影响整个音乐的流畅性。  
我发现有一种方法很有帮助,让学生用前臂肌肉练习乐曲的一个段落(把右手放在左前臂上,反之亦然),这样他们会更多地意识到要用整个胳膊松弛地弹奏。这种方法会使学生体会到平均连贯的触键感觉,并且在一些练习之后,把这种触键法和胳膊重量转移到钢琴上。  
许多初学者错误地认为胳膊应该在钢琴上保持一个固定的位置。他们在弹奏时用紧绷的手指和手去寻找琴键的位置,而不是一起移动手和胳膊到达每一个音符所在的琴键上。所以这就首先要求脑子需要有意识地把胳膊调整移动到所要弹的音符的位置上,掌握这种技术会使关节避免伤病并提高弹奏的灵活度。  
练琴时应该把注意力集中在放松的弹奏上。这将有利于帮助演奏者建立耐力,提高他学习音乐的能力和兴趣。这需要足够的耐心去提醒学生要用自然的动作弹奏,并意识到弹奏过程中积累起来的紧张。  
这种为轻松弹奏提供的技术也可供那些每天坐在电脑键盘前的人们借鉴,使他们安全省力地工作。这包括:挺拔的坐姿、放松的后背和肩部、灵活的手指,以及胳膊应该移动自如,没有任何的压力。  
而钢琴演奏的另一个概念是只用每个音符所需要的压力、重量和力量来弹奏,而不必更多。一些学生拼命压琴键,并没有意识到ff的力量是来自胳膊和后背的,所以在上课时老师需要示范一下音乐所要求的合适的重量。而我会在学生同意下,在他们的胳膊上弹奏一小段音乐让他们体会,因为有时语言并不能准确地传达正确的意思。  
力量和灵活性的结合对钢琴演奏来说是很重要的。胳膊、手和手腕应该以这样的方式移动,即把胳膊的重量、关节的灵活性和肌肉的强度协调起来。当你下次推某物或按某个按钮时,试一下用灵活的腕部和肘部协调地移动胳膊,不要有任何僵硬的感觉,这样胳膊的重量就会输送到你的手指上,在指尖和整个胳膊提供的重量之间产生杠杆作用,你不需要施加过多的力去做“推”这个动作。所以学生们应该学会在钢琴上运用这种胳膊的自然重量,并且重视手腕和肘部的协调性动作,因为他们的柔韧灵活性会缓冲对关节和肌肉的负面影响。  
在钢琴上通过练习让手预热,可以保持双手的健康。学生们应该用mp的音量、中速和手指位置比较密集的音乐让双手慢慢活动开,然后再逐渐增加强度和加快速度。在双手还没变热活动开之前就弹奏一些技术练习和需要持续性forte力度及快速有力的段落会给肌肉带来很大的负担。这样很容易引起肌肉扭伤等问题。  
练琴应该从三和弦或七和弦开始,并运用来自背部的运动。学生们需要用不同的力度练习并轻松地弹反向动作,使胳膊、肩膀和后背得到及时的放松。如果你感觉这个练习做起来很舒服,便可逐渐增加跨度大的和弦,使手指间的间距得到更好的扩展,但也要注意数量不要多了,然后再回到密集的和弦位置上,同样的思路电可被运用到八度练习上。一旦整个手变热活动开了,就可以开始音阶和双音的练习。  
好的弹琴姿势包括整个身体都参与到演奏中。上身要坐直,臀部和脚 ggg要能支撑住整个身体的重量,上身和胳膊左右移动要自如。一个能够调整高度合适的琴凳是非常有帮助的,要让胳膊平行于键盘从而移动起来比较方便。  
我要求学生放松肩膀和上身,这样便会呼吸自然并且使胳膊移动自如。紧张沉重的肩膀限制移动的灵活性并产生浅短的呼吸。不合理的坐姿使上身和肩膀肌肉紧张,严重的还会引起疲劳和疼痛。  
过多的同一类练习是没有帮助的。练琴应该多样化,例如练习不同音乐性质和力度的交替以及手的位置密集与开放交替等作品。练习的顺序可如下:先弹一首巴赫的作品,接着是肖邦,然后是海顿,再弹勃拉姆斯,之后弹莫扎特作品,最后弹拉赫玛尼诺夫或者李斯特的作品,如果你有这个水平的话。  
我鼓励学生有意识地去放松胳膊和肌肉中那些不需要工作的部分。如果胳膊在练习过程中紧张或疲劳,就要马上停下来休息。重复同一种练习到肌肉酸疼的地步是不健康的,相反的,必须密切注意紧张的部位,放松手部和胳膊然后再继续练习。假如一只手疲劳,就练习另一只手。在你感觉非常累之前就停下来,以避免不当的疲劳。  
除了放松手部、胳膊、肩膀和后背,演奏者还需要从精力集中的强度中获得休息。如换一种身体活动,去散步,做一些肩膀和胳膊放松的运动,或在较长时间的练习中做一些呼吸练习是很有帮助的。如果一部作品篇幅很长并需要高强度的集中精力,只要练习它的一个部分或停下来去做一下其他的活动,例如视奏其他乐谱,即兴弹奏或转调弹奏。如果感觉劳累了就不要继续弹奏下去了。  
有一些演奏者会强迫自己在一段练习时间内达到一定的目标,尽管他们大多数能意识到提高是个逐渐的过程。所以最好还是在心理上设定一些小的目标并且把运用放松也作为练习的一部分。  
好多钢琴家喜欢离开钢琴看谱练习,当他们一旦任务紧迫时他们就会练习得很多而忽视去看谱练习。离开钢琴的学习能增强对音乐的理解和提高音乐的表现力。因此,许多钢琴家从中能找到自己对音乐表现的意图与技术问题的解决方法之间的联系。  
练琴应该包括浏览一些艰涩的段落和增强弱指的力量训练。我发现在我的胳膊和大腿上练习对感觉某些紧张的状态是很有帮助的,并且同时用心倾听音乐。在那些复杂的乐曲部分上,我要求学生把一些音符抽出来单独练习,然后再加上紧挨着的其他音符。学生们重复弹奏这些音符,再加上一小节、两小节……直到包括那些复杂的技术片断的整个乐句。  
好多年以前《纽约时报》上刊出了一篇文章,作者是佛罗里达州大学的教授AnderErickson,他在文中探讨了运动员和音乐家的成就问题。他讲道,“你不会从机械性的重复中获得好处,只有通过不断调整你的技能才能逐渐靠近你的目标”。因为对钢琴家来说,那些目标已远远超出了机械性地正确弹奏,而是表现出从音乐中得到的乐趣和收获。这就意味着学习过程中肯定是要有必要的重复,但每次弹奏都是要带着新鲜感和感情。  
为了避免机械的重复,我建议学生们在每次重复前停下来冷静地思考和认真地倾听自己的演奏,并使肩膀、胳膊、手腕和手部积累起的紧张状态松弛下来。尽管对远距离、大力度、别扭的身体和手的位置的技术容易做更多的练习,但我要提醒学生们要用逐渐增加的方式来练习并经常停下来放松一下。当练习困难片断时,应该限制时间,用整个胳膊弹奏。那些急于求成的学生和老师们必须认识到这样一个现实,钢琴上的进步是逐步的,它需要一定的时间,几天、几周,甚至更长的时间。  
重复练习还有好多危害。某些钢琴家对一首作品练习得足够多了自然就记住了,形成一种脱离音乐的机械反射作用。但有意思的是这种记忆可以让演奏者记住正确的音符,也可以巩固错误的音符,甚至于他们都听不出错音。当学生们连续几次听不出错音时,我就让他们停下来,大声念道,“这是G音”或“这是降B”。这种方式就使得正确的音符变成有意识的,否则若干年后还没意识到这一点。  
还有好多建议可供学生们练琴时参考,例如可用双手弹奏右手的部分,然后反过来再弹奏左手部分。我还建议用不同的方式来重复练习一首作品:快的或慢的,力度强的或弱的。我要求学生练习时要有他们自己的想法,展开想像力和有表现力地演奏其他曲目。  
上课应该是一个持续不断的过程,它应该帮助学生们学会用协调的动作轻松地弹奏钢琴。学生们希望从老师那学会读懂音乐,用正确的节奏律动弹奏,而在钢琴上体会放松,会使演奏钢琴成为一件快乐的事情。  
(译自《Clavier》杂志2005年11月号)  


摘自：《钢琴艺术》2007年03期　作者：Katherine Glaser









浅析钢琴演奏中的放松



说起放松, 我们先要了解什么是弹奏上的紧张。我认为基本上分两种: 一、生理上的; 二、心理上的。

一、生理上的紧张

1 由于弹奏的基本姿势不够良好而形成的　很多学生在弹奏速度较快的曲目时,经常感到前臂、手腕肌肉发热、酸疼,这是因为没能正确运用全臂弹奏法,而仅用连接肘部关节的肌肉力量举起和支持住前臂来进行弹奏,使肌肉始终处于收缩状态,肘关节处于固定状态,这样很难使上臂及全身的重量完全送下去,也就很难发出丰满、明亮的音质和音量。时间一长就会形成所谓的“职业病”,甚至肌肉损伤无法弹琴。所以,用全臂弹奏是钢琴学生所必须的。最成问题的还在于肌肉是有“记忆力”的,一种形式的肌肉运动一旦经过千百次习惯性的反复,就会形成一种条件反射,形成一种后天得来的自然,要想改过来是非常困难的。如果已经习惯了只用前臂的力量进行弹奏,要想改过来也是很难的。因此,教师在学生学琴的开始阶段就应以正确、有效的教学方法使其不走或少走弯路。

2 由于触键后没有立即放松而形成的　当手指抬起触键发出声音后,就应立刻放松,让刚才触键而收缩的肌肉立即恢复原来平静的状态,只保留一点使琴键不致于起来的重量就行了,这样出来的声音是明亮透彻的。

      我们在听到有些钢琴学生在弹奏曲目时,所表现出的声音很闷,很死,乐曲全无音乐可言,这就是因为触键后仍然用劲按住琴键,没有使手臂里的肌肉放松下来,键盘被压得很死,止音器不能完全弹开,从而使琴弦共鸣不良。还有的学生在弹奏快速的练习曲或有技术难度的段落时,越往后越觉得手腕、前臂酸困,弹不动。这是因为第一次下键的紧张还没有消除,又加上弹第二、三个音,造成了紧张的积累,使手一直处于紧张的状态下弹奏,就不可能弹好流畅的音群和较难的技术部分,同时也使肌肉过于疲劳造成损伤。

      解决以上问题的办法就是在很慢的的速度下,先把弹一个音松一下的练习练好。这里可采用肖邦的练习方法,用五个手指分别把Ｅ、#Ｆ、#Ｇ、#Ａ、Ｃ五个音同时按下后,再一个个举起来触键,等到各个手指都在这样全部按下去的练习中习惯了以后,再将手指浮起在键面上,作同样的练习。然后再继续两个音松一下,弹三个音松一下,弹四、五、六……音松一下等等。在练习一首新的乐曲时,运用以上肌肉轮换紧张的法则进行慢练是非常重要的。例如:我们在慢速弹奏《哈农钢琴练指法》第一条时,大指在弹“ＤＯ”音时,主要是用上臂的肌肉轮换收缩和放松,使其在一个十六分音符的时间里紧张地收缩一次,却在三个十六分音符的时间里得到休息。

      除了这些自身的紧张之外,乐曲所要求的声音变化也容易引起上述紧张,这时就需要手臂放松来弹。大致分为两类:重手臂式的放松;轻手臂式的放松。(1)重手臂式的放松。当要求声音有力、结实、速度也不太快时,应将手臂上的重量基本都松下来,找这样的感觉可将手拿起来用三指触键,三指的指尖一定要把住键盘,感觉到整个手的重量都集中在三指指尖。(2)轻手臂式的放松。当要求声音明亮、轻快和迅速地跑动的时候,手臂就不能这么重地放在键盘上了,而要将重量收回,使落在手指指头尖的重量由很重到很轻地做各种程度的减少。这时整个手臂由于有肩关节强大的肌肉群块控制住,就可以变得很轻,而且手臂的肌肉也没有一点紧张的感觉。例如:《肖邦练习曲》NO.2。

二、心理上的紧张

    不论弹奏或演奏都需要一定程度心理精神上的紧张。这时最需要一种全神贯注的兴奋状态,从而充满感情地把乐曲忠实、完整地演奏出来。这里成功的基础:一是技术上对乐曲的练习已达到非常熟练的程度;二是对乐曲的处理做到心中有数;三是心理上处于非常健康的状态。但我们有些时候却在弹(演)奏前或弹(演)奏时,不由自主地产生一种有害的心理上的紧张,其原因大致是1)技术上没把握;(2)乐曲处理上做不到心中有数;(3)环境上不适应。

1 由于技术上没有把握造成的紧张　如果自己感觉对乐曲没有完全掌握、技术上的难点没有完全克服,或感到对乐曲的风格、表现还无法把握等等,精神上就会不由自主地紧张起来,或手心出汗,或手指发抖,从而影响、破坏了演奏,产生差错;这反过来又会引起心理上的进一步紧张,形成一个不可收拾的恶性循环,最后只有以一塌糊涂而告终。

2 由于演奏时对乐曲处理、表现思路不明确造成的紧张　一首好的乐曲令人百听不厌,这正是弹(演)奏者很好的诠释了作曲家乐曲内容而形成的。如何表现一首乐曲这与演奏者的处理是分不开的。了解作曲家生活时代背景,写作背景及写作意图正是处理乐曲的关键所在。然而有的学生拿到一首新的乐曲后,只是一味地把音符弹响,对乐曲的理解只停留在谱面的表情记号上,经过这样机械的练习后,乍一听很熟练,但由于大脑对乐曲的思路、结构不甚明确,只是靠手的惯性往下演奏,一但出错便会造成心理紧张,乐曲中断。即使能完整地弹奏,也如一篇内容空洞的文章,令人听来索然无味。

3 由于对环境的变化不能很好适应而造成的紧张　常常发现,有的学生在小琴房中弹得不错,而一旦到大教室考试却不行了;有时在同学面前弹得很好,在老师面前又不行了,这些都是由于环境的变化造成的。在小的环境、熟的环境,自己的感觉和突然到一个大的、陌生的环境是很不同的,往往会由于对琴、手指触感、座位、房子大小差别引起的音响上、共鸣上和光线上等等的不习惯,使心情不那么安定而影响到演奏。

     要解决以上问题,首先,教师在布置曲目时要依据学生的程度选择曲目,拔高程度无异于拔苗助长,是非常有害的,要让学生有发挥自己技术水平的余地;其次,从一开始就应要求学生仔细读谱,放慢练习,绝不能养成大概差不多的习惯。消除求快、贪多、马虎的思想,否则后患无穷。另外,当学生处理、表现好一首乐曲后,不可在考试或演出前拼命练习,因为这样不但大量消耗精力,而且会使感觉麻痹,使真正演奏时失去新鲜感,只需活动一下手指,使其暖和、灵活,处于一种临场前良好的状态。最后,当坐到琴凳上后,绝不要马上就弹,应静下心在把乐曲的结构,处理大概想一遍,做到心中有数后再开始。在演奏时最好跟着乐曲在内心歌唱,这样可使自己完全投入音乐的意境中,排除杂念的产生,从而保证演奏的圆满成功。




放松的问题！帮忙啊！


小弟本有些钢琴基础，最近买了钢琴在家练习，没有请老师（主要是请不起老师），弹了大概1个星期，发现自己可能有弹琴时没完全放松的问题。查看了许多关于放松的文章，反而更加迷惑了，天啊·，有谁能指点一下我！（我害怕大家看不懂我的意思，我写得很罗嗦，请务必看懂我的意思）



(引用：   由于弹奏的基本姿势不够良好而形成的　很多学生在弹奏速度较快的曲目时,经常感到前臂、手腕肌肉发热、酸疼,这是因为没能正确运用全臂弹奏法,而仅用连接肘部关节的肌肉力量举起和支持住前臂来进行弹奏,使肌肉始终处于收缩状态,肘关节处于固定状态,这样很难使上臂及全身的重量完全送下去,也就很难发出丰满、明亮的音质和音量。时间一长就会形成所谓的“职业病”,甚至肌肉损伤无法弹琴。所以,用全臂弹奏是钢琴学生所必须的。最成问题的还在于肌肉是有“记忆力”的,一种形式的肌肉运动一旦经过千百次习惯性的反复,就会形成一种条件反射,形成一种后天得来的自然,要想改过来是非常困难的。如果已经习惯了只用前臂的力量进行弹奏,要想改过来也是很难的。)



我就算弹再快，手腕，下臂都不会发酸，发痛。



可是现在我的上臂很酸，甚至是无力了。



请问我是没有完全放松吗？



对于放松我的理解是：挺胸，身体稍前顷，两肩自然，两条手臂的自然重量由手腕和掌关节承担，手指主动抬起并迅速下落，手指触健的瞬间，指尖第三关节与键盘呈60－90度角。



疑问1：是不是每次手指主动抬起后并快速落下击键时，都应该充分感受到整条手臂的自然重量在  帮忙？



疑问2：有很多文章说“手腕是放松的”，可我认为手腕必然要分担由手臂放松后产生的自然重量，不然的话，仅仅是由掌关节支撑手臂的重量，势必形成手腕塌陷。



疑问3：有一篇文章上讲：“手指在击键后迅速放松，只留一点不让键盘弹起的力气”，如果手臂是放松的，那么在手指击键后，指尖依然还要承受手臂的自然重量，这时琴键不可能弹起来，又何须“留一点不让键盘弹起的重量”呢？



      如果手臂是完全放松的，那么无论你用什么手指弹什么音，手指尖上都必然带有一大部分手臂的自然重量（前面说了，手腕要想不塌陷也是要分担一定重量的），我觉得我的手臂真的完全的放松的时候这样的弹奏方法很不舒服，大家弹奏的时候，是不是弹每个音的时候，手指都会充分感受的手臂的自然重量了呢？或者说指尖每次触健的时候都清晰地感受到手臂的重量？



还是习惯了这样的动作就好了，我现在是很不习惯，当我的手臂完完全全的放松后，每次触健我的指尖都要承受很大的手臂的自然重量，不习惯，不舒服，但这是对的吗？


你写这么长篇，实在太有诚意了……当然，我看的也比较累。

well，对文章感性认识是，你的物理学和生物学似乎很不错。但我的物理却非常糟糕。我尽量理解你的意思，然我还是用我的思维写给你看，希望你尽量理解到。

首先请你跟我做以下动作：坐正，抬起手，肩膀自然下垂，前臂水平抬起并保持。手腕与前臂平，手掌不要下垂。整个人放松，定住。OK，你现在是否觉得你很紧张？不能放松？如果你认为，保持这种动作，肌肉是紧张的。那么你做豆腐算了。

事实上，弹琴的动作和这个是一样的。保持手臂的水平，是靠手臂肌肉自然的抬起。如果要用手指支持，那应该说，手指在做“钩”的动作。这个动作就很错误了。手指是很放松的，例如刚刚的姿势中，手臂水平，手指是可以随便运动的一样。

我想，我已经解答了你3个疑问了。在这3个问题里面，你都只有一种误解，手指要负担整个手臂的重力。正好相反，手臂的动作保持，是靠手臂本身的自然收缩。

疑问1：手指敲下的力，是来源于手指下落的动能——手掌关节“抓”的动作，以及势能——下落的速度快，声音就扎实和到底。

疑问2：手指不是一个钩，不要钩住琴键。手腕要自己保持水平（你的手腕可以自主的上下转动，并停留在一个角度上吧？）

疑问3：还是哪个问题，手指是不负责任何负担的，手臂靠自身肌肉保持水平。

通过这么多解释，我发现你一个问题。你一直都试图通过，手腕，手臂的力气，使手指弹出来的音到底和响亮。然而，这种方法是与正确的训练是背道而驰的。声音的扎实，是通过手指自己的敲打力量实现的。所以，教材才说手腕和手臂是放松的，不要附加额外的力量给手指。

事实上，当手指要承受你所说的自然重量时，手臂的肌肉就很自然的紧张起来。当弹琴是令人不舒服的时候，通常都是方法不正确的体现

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放松放松再放松