电子琴合奏问题

wuhuachun82

电子琴合奏排练有感
   
     本人多年从事音乐工作及音乐教学,经历了电子琴在我国从初级阶段发展至今的过程。乐器的改革带来了表达能力的提升，也导致教育内容及教学方法的变革。都说电子琴的演奏可与管弦乐队比美。实际上，单排（便携式）电子琴的表达能力与乐队之间还是存在着极大的差距的。由于从音色，力度等各方面乐器（电子琴）都有较大的进步，带来了实现合奏的可能性，使合奏效果真正能接近管弦乐的演奏实效。近些年来，在教学中我逐步加强了一些管弦乐知识的传授，学生在学习电子琴技法和电子琴音乐的同时，也得到一些管弦乐的演奏技法特征和管弦乐的表达特征方面的感觉。为进一步练习合奏打了些基础，并试着由浅入深地排练了一些作品。如：贝五（命运）第一章；梁祝协奏曲；轻歌剧蝙蝠序曲，洪湖赤卫队及钢琴协奏黄河等。其中有四架电子琴的合奏，也有几十台电子琴的合奏与传统乐器（小提琴、钢琴）的合奏（协奏）。在排练和演出中很有感受，在这里与同行们一起探讨。    一 电子琴的可行性    1．音色    乐器间的合奏本是各种个性（音色）的分个表演（主奏）和多个音色的重叠（粘合）的多种组合形式。从而有可能去表现作曲家的音乐思想。上百年的器乐史，造就了传统管弦乐器的丰富的个性和共性，让人们熟知从室内乐到大型协奏曲和交响管弦乐曲。电子琴使用、电子合成技术制造和改变频响，模仿各种传统音色由来已久。但由于制造商使用的声卡太差，很多音色极为不像，所以长期以来合奏的效果不好。目前乐器的制造水平大有提高，从音色的仿真性上有了明显的改善，也使得合奏的音色组合有了一定的效果。但由于电子琴的发音原件是电喇叭（扬声器纸盆）存在着致命的共性，所以常常当多件乐器同时发音时会听到一种如从广播器中发出的类似于管风琴的音色，因此，在合奏作品的创作和改编过程中，应尽力注意多音色重叠后的实效。在音区和演奏手法上作一些修改，从而改变一些上述那种混混然的效果，得以各种音色的清晰层次。当然在乐队演奏强音持续音时，上述效果还是不能避开。这是一点遗憾。我觉得弦乐与圆号，弦乐中低音与木管，单簧管与所有乐器，钢管组合奏，弦乐拨弦与木管组等。几种效果比较好，木、钢、弦乐组合奏（特别是长音，持续音）效果最差。    2．弹奏手法：    键盘乐器的演奏手法大致分为连奏（Legato）、半连奏（legelo）和断奏（gtacato）。当然由于乐曲的表达需求不同，各种方法的演奏，人手指方式，时值以至音头设置等许多方面会有大大小小的区别。而当音色（传统乐器）进行多种变化时，这些手法应十分恰当的运用其中。比如小号的连奏，我们不能像真正小号那样一口气吹出连音。是因为小号这种乐器在同一口气吹奏时，多数音在活塞转换那一刻都会有“叭”的一声，那种效果是不会有的，所以不像。因而在作小号连奏时，每音之间仍是有一个极小的“缝”，它并不影响“连”的效果，而音头的出现会使其更清楚。再如弦乐的断奏，在提琴的跳弓、分弓中，奏出的音效时值可以多种多样的变化，十分准确和各具效果。键盘弦乐的断奏由于制造者对弦乐效果的模仿追求，往往时值偏长（满），再加上多琴演奏时的群感误差，会致使含混的效果出现，因而要比较“跳”一些更恰当。当一台琴演奏两个声部（双音）时，尽量用左右两手进行，造成两个声部的力度差和时间差，而少用双音弹法。这样会增进旋律的流畅性和乐器中句法的准确。    3．力度控制    在表达能力丰富的交响乐曲中，力度的变化是最直接扣人心弦的因素了。无论是横向（旋律）的力度起伏或是纵向（和声）的层次感，都与力度控制紧不可分。所有的指挥大师都视力度为生命，都会在排练中多次让那些音奏强。奏弱的乐员疲于重复练习。细想一下，每一位乐器的专家是多么善于操控自己的乐器作各自力度的演奏啊！而我们电子琴是近十年来才有了键盘的触感，有了所谓“力度键”（实际上是一种速度感知电路）。因而，力度控制就是十分要紧而也是十分困难的一个课题。从写谱到排练到演奏真是要我们多长几对耳朵才能顾及的呀！（听觉记忆）    电子琴的力控分为两大部分，一是音量开关（手或脚控），二是力度键（触键控制）。手或脚对总音量开关的控制在合奏中是必需的， 可以让乐段的强弱和渐变（crescto.dim）得以控制。必须注意的是，演奏者要习惯真正用听觉去指挥手或脚的动作。很容易造成过度（强或弱），因为开关的量程比较短凭借动作感觉是很粗糙的。手指触键的力度比较细致一些，可以做出乐句的表达，也可以作和声中的声部选择（突出）。另外，当一台琴兼有多种音色演奏在进行音色转换时，由于乐器原因，往往会突然力度大变，需提前设置力度（手动或存储）。总之，在电子琴合奏中，通过细致的调置和多次排练组合的感知，力度控制是可以比较好的实现的。    二 合奏谱的改编和总谱移植    电子琴合奏曲多数源于器乐合奏谱。合奏谱中各种乐器分行写作，而主副声部往往不如钢琴谱那样清晰可见。改编前须对乐曲作全面理解，特别是听。有演奏排练管弦乐经历的作者会直感一些，但也不可简单地生搬，特别是在主声部的设置上要多留神，必要时可以作一些乐器品种的更换。而和声的实现并不能以原谱和声为死据，要在琴上试听，必要时可拉宽或收拢。当然和弦性质绝不能变动。在改编时还需注意在电子琴上演奏的可能性，有些手法可以改，比如小提琴的颤音，可以将此组中若干音构成颤双音或颤和弦，在键盘上演奏就方便多了。    对管弦乐总谱移值时会碰到移调乐器的问题，为了更好的读谱，更好的学习交响乐的结构原理，我认为应利用电子琴所具有的方便的移调功能，让电子琴去真实地模仿各种移调乐器。比如小号是乐器，可把电子琴降一个大二度操作。圆号是F调乐器，电子琴可升高纯四度操作等等。而此时的总谱中的各种调号皆可保留。当然，这样的谱对指挥者（排练者）是一个挑战，必须具备正规的总谱读谱能力。    三  排练    1．讲谱    每个作品的排练我总是从音乐分析讲解声部着手。（因演奏者都是学生）先讲读谱的一些规矩。比如分段标记，小节数法，各乐器移调手法以及节奏、速度等基本情况，让学生弄明白每个人在合奏中做了些什么。然后分声部读谱，（自己）有一个初步的印象。因此，在分读之前重要的是讲明谁是主角，谁是配角，什么地方最难，什么地方最重要，必要时还得亲自弹奏一些片断，这样可避免出现误读太多的情况。    2．初步全读： 分段是比较重要的。每个演奏者必须明白排练者说的哪里，多一小节，少一小节，前一拍，后一拍等用语大家要统一。在初步合读时不必细究每个声部手法的准确性，更谈不上表情，速度也可大大放慢。这就是通常说的“对谱子”的过程。其中最重要的问题是节拍必须弄清楚。（长休止的拍数要靠听觉）    3．单声部练习    我认为不论难、易、主、次，每个声部必须作好检查。我会让演奏者随我的意思改动奏法，精准节拍和力度，并同时和其它声部的同学细听他奏的什么，去找一找自己将来会在这里怎么与他汇合。值得注意的是，对乐器（模仿）演奏特性的解释主要是在这时完成的（弹奏手法）。    4．多声部练习    可以常用做加法的方式将各声逐一进入合奏。通常让担任主旋律的声部先奏，完善后加进某一副声部重叠，对齐平衡后再加进节拍点类似伴奏声部，再求对齐平衡。当乐曲进入主声部交接的段点时，往往要多次重复练习，使每个演奏者必须明白谁接谁。    5．速度与力度：    排练时我通常很慢速练习。（有时会很难受）简单的乐段可以在通顺后一次性提到正常速度，难一点的地方得一点点加快。而无论什么速度下的练习，总是要关注弹奏的力度，并要演奏者听惯自己弹出的声音与其它声部的声音之比较。（从开始就必须做到）比如当力度不对时，我会说“长笛吹得了这样响吗？”“你的声音盖过了主旋律”“你的歌声响亮”等等来进行调节。有时还会把相距较远的两个乐段放在一起来做力度对比练习，让每个同学明白我们f或 mf或mp之间的区别。使之在连贯性练习前先有一个印象（听觉）。    四  合奏的好处    1．增强视奏能力：由于合奏作品往往较长，各声部主次交替进入，退出较频繁，因而无须背谱。演奏者往往眼不离谱这样可以极大程度也增强视奏的能力。    2．增强多声部感觉：每个声部都有担任主角及配角的机会，尽管大部分时候弹奏较独奏更简单，自己声部与其它声部的配合感觉却是随时存在。在指挥的指导下，演奏者会更加具有配合感。    3．学会多种乐器的演奏特点：特别是弹奏手法的多种变化，会让学生能力大大提升，随之而增进对各乐器的理解。    4．对交响乐有了直观的认识：从乐谱到排练，从分段到高潮，从主声部到和声配置乃至乐曲的写作意图，写作背景声部手段等实质性的过程去了解管弦乐交响作品，这不失为一个简单而清楚，全面的办法。中国人民需要增进对交响乐的了解。    5．增进学生的学习热情：我在每个作品的排练和演出中都看到学生的兴趣浓浓（弹奏相对简单而表达相对巨大）练习主动极积。    6．丰富音乐会（表演性）：无论是小型的四人合奏或是大型的交响乐，协奏曲演奏，无疑会极大丰富音乐会节目。特别是与传统乐器的合作，效果非常好，大有以假乱真之功。
    结尾再说几句，当前我国乐界以业余考级工作为重，是对的，但仅为业余中之普及，受各种因素的影响，考试十分马虎而机械，严格的说不是音乐活动。上述电子琴合奏无疑是简单中的复杂，初级中的高级。因为它可以让演奏者（学生）心领音乐之原意，亲身体验世作之浩瀚。

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卢鑫

楼主经历了电子琴发展的初级阶段，一定是元老了，膜拜！请问您是哪位？参加过YAMAHA第一期师资培训班没有？有没有和王梅贞老师的合影？{:soso_e154:}

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